李仲党

这些年，合唱创作的热闹背后，其实藏着一种集体的焦虑。我们写了很多“能演”的作品，但“能留”的太少；我们有不少“唱得响”的新作，但真正能“传得开”的寥寥无几。作为多年从事音乐创作的工作者，我想抛开那些宏大的理论术语，结合近期业内关注的十个话题，谈谈我对原创合唱创作的一些切身感悟。

审美与传播：从“物理音量”到“情感音量”

过去我们追求“唱得响”，似乎声音越大，作品的分量就越重。但在新时代，这种审美已经失效。现在的听众，耳朵是挑剔的。一部作品要“传得开”，靠的不是物理分贝，而是情感音量。我们要思考传播路径的变化：短视频平台、流媒体正在重塑听觉习惯。这就要求我们在写作时，既要保留合唱的纵向厚度，也要有抓人的横向旋律线条。那种从头震到尾的写法，除了在比赛现场能唬人，走出音乐厅，没人愿意在耳机里听第二遍。

讲好中国故事：不是“贴标签”，而是“铸魂魄”

关于“文化自信”，我有一个观点：不要试图在音乐里“翻译”文化口号。讲好中国故事，核心在于气韵的拿捏。我们常犯的错误是，为了表现“中国风”，就机械地堆砌五声音阶或戏曲锣鼓点。这叫贴标签。真正的文化自信，是像《沂蒙山歌》那样，把语言的抑扬顿挫化为旋律的筋骨；是像《赶牲灵》那样，把民族的苦涩与坚韧化为和声的色彩。我们要写的是“魂魄”，而不是“皮囊”。

现状与瓶颈：我们在“高原”上徘徊什么？

当下的创作，确实处于“高原”，但难见“高峰”。瓶颈在哪？我看主要在“同质化”。打开谱子，大家的和声语汇惊人的相似，节奏型惊人的雷同。我们太依赖“套路”——为了好唱，就用三度叠置；为了出效果，就写二对三的节奏。突破方向在于“破圈”：打破合唱只能写四部和声的执念，从民族器乐、从戏曲曲艺、甚至从当代电子音乐中汲取养分。高峰不是堆出来的，是长出来的，它需要有独特的生命肌理。

词曲咬合：文学与音乐的“联姻”

词曲关系，是我最在意的技术环节。很多时候，作品“难唱”，根源在于词作家和作曲家是“两张皮”。“词曲咬合”，不仅是声调的阴阳上去，更是语气的逻辑重音。我写合唱时，常常先念词百遍，直到嘴里有了节奏和腔调，才下笔。文学性给了作品深度，但音乐性给了作品翅膀。如果歌词在音乐中显得笨拙，那不是词的问题，是曲没写好。我们要追求的是“依字行腔”后的自然流淌，而不是“倒字”后的生硬矫正。

和声的民族化：不仅仅是五声音阶

谈到“民族调式”，大家容易陷入另一个误区：把民族化等同于五声音阶加西洋和声。这太表层了。中国音乐的灵魂在于线性思维和韵味。在合唱写作中，我们可以借鉴古琴的“走手音”来处理声部连接，用琵琶的“轮指”来设计节奏型。民族和声的探索，应该深入到音腔的微变化，深入到二度、四度、七度的特殊碰撞中，而不是仅仅在旋律线上涂脂抹粉。

可唱性与艺术性：戴着镣铐的舞蹈

关于“难唱”与“好听”的博弈，我的态度很明确：不要为了难而难，也不要为了易而俗。 可唱性是艺术性的基础。人声是有极限的，但人声的表现力是无限的。好的作品，是把技术难点藏在音乐的逻辑里。比如，一个高音，如果它是情感宣泄的必然出口，歌手就愿意唱，听众就觉得好听。如果只是为了炫技而堆砌音区，那就是噪音。我们要写那种“排练时觉得难，演出时觉得爽”的作品，这才是博弈后的高级平衡。

复调思维：让每个声部都“立”起来

现在的合唱作品，太多“主调思维”，女高音永远在旋律，男低音永远在根音。这浪费了人声最宝贵的资源。复调思维是让每个声部都“有戏”。写作时，我会问自己：如果去掉了女高音，剩下的声部能不能独立成曲？我们要像写室内乐一样写合唱，让每个声部都有线条的美感，有呼吸的起伏。当四个声部在对话、在争执、在拥抱时，合唱的立体感就出来了。

痛点问诊：为什么留不下来？

为什么很多作品“写出来、唱起来”，却“留不下来”？痛点在于“温度”的缺失。很多作品是“命题作业”，是“任务创作”，写的是概念，不是人心。音乐如果不能触及灵魂，如果不能在某一个瞬间让人心头一颤，它就注定是过眼云烟。此外，记谱法的混乱、声部音域的不合理、钢琴伴奏与人声的脱节，都是导致作品夭折的技术原因。我们要有“减法”意识，把那些冗余的、为了比赛加分的音符删掉，只留下最真诚的表达。

代际传承：青年作曲家的“破”与“立”

在“青年作曲家沙龙”里，我看到了希望，也看到了隐忧。年轻一代技术精湛，视野开阔，但容易陷入“技术至上”的泥潭。老一辈的严谨结构和民族情怀，是值得传承的“格”；而年轻一代对流行元素、先锋音响的敏感，是必须鼓励的“破”。代际传承不是简单的模仿，而是精神的接续。希望年轻人少一点急功近利，多一点沉潜思考，写出属于这个时代的“新语言”。

评委视角：什么样的作品能“脱颖而出”？

作为评委，我听腻了那些“安全”的作品。那种四平八稳、挑不出毛病但也记不住旋律的作品，第一轮就会被刷掉。能脱颖而出的作品，往往具备3个特质：一是有“金句”，有一段旋律能让人走出赛场还在哼唱；二是有“绝活”，在和声或节奏处理上有独到之处，让人眼前一亮；三是有“真情”，能感受到作曲家在谱面背后的心跳。 比赛不是为了拿奖，而是为了检验作品能否在众多声音中被听见。

合唱创作是一场孤独的长跑。我们要面对的，不仅是总谱上的音符，更是千百年来的文化积淀和当下听众的耳朵。愿我们都能沉下心来，写出既有“中国味”又有“世界语”，既能“唱得响”又能“传得开”的作品。毕竟，只有那些真正好听、真正走心的作品，才能穿过岁月，成为经典。

（作者系中国音乐家协会合唱联盟副主席，河南省人民政府文史研究馆馆员、教育督学，民盟中央艺术研究院副院长，艺术团副团长，享受政府特殊津贴的优秀专家）